Hoy me he quedado sin palabras. No puedo expresar los sentimientos tan confusos que se apoderan de lo más profundo de mi ser, cada vez que el ser humano ataca al propio ser humano, a gente inocente que sufre y muere sólo por el fanatismo que alimentan unos pocos. No hay bandos encontrados, hay maliciosas interpretaciones de las realidades, por parte, siempre, de los que quieren alcanzar una u otra forma de "Poder".
Ayer, unos intolerantes, llevaron estas malintencionadas interpretaciones a unos extremos insospechados, a una crueldad inimaginable. Pero en el día a día de todos, a otros niveles, también ocurre la rivalidad de los bandos, digamos que en el mundo de la política, en el de la religión, la economía, y hasta en rangos más básicos como puede ser la propia familia, pues estamos rodeados cada día de hechos muy desagradables. Por eso tenemos que hacer un examen de conciencia individual, y que cada ser haga su propia revolución, empezando por expulsar fuera de sí toda la "MIERDA" que lo contamina, para a partir de ahí, empatizar con el mundo que lo rodea y poder empezar a cambiar ese mundo, EN POSITIVO, en pos de un bien común y NO movido por las absurdas miserias por las que el ser humano lucha a diario... Aunque esto parezca un sueño.
No me salen más palabras, y como éste, es un blog dedicado a la música, mejor que palabras, usemos el arte que se esconde tras una canción. Por eso hoy quiero homenajear a las víctimas de París, con una canción que muestra una bellísima letra, que compusieran en 1993 Robert Alvarez y Juan Gallardo para la banda que lideran, perteneciente al disco "A Cara o Cruz".
Que la música sea nuestro guía y nos transmita la paz y la tolerancia que necesita este mundo en el que vivimos.
"En un sueño"
Por una paz mundial para todos los hombres
y en honor a todas las victimas de la barbarie que ayer sufrió París.
De vez en cuando, me gusta publicar alguna entrada en la que se seleccionen algunos discos interesantes, y esta vez quiero hacerlo con canciones. Con 10 canciones, que sean auténticas joyas del rock de todos los tiempos. Para empezar quiero hacerlo con una canción del año 1991. Canción perteneciente al disco "Use Your illusion II", de unos Guns And Rose en el mejor estado de forma de toda su trayectoria. Una canción que va "in crescendo", empezando por las primeras relajadas notas de la guitarra, hasta llegar a un virtuoso punteo excepcional del gran Slash acompañado de un elegantísimo piano, y finalmente acabar en unas tenues notas que simulan los latidos de un corazón hasta que este deja de latir definitivamente, todo envuelto por la desgarradora voz de su cantante Axl Rose. El vídeo es espeluznante, y la canción cuenta la tragedia que provocan las guerras en cualquier lugar del mundo. No escribo más y os dejo con el vídeo clip de la canción "Civil War", una gran composición de casi ocho minutos de duración que no os dejará indiferentes.
Portada del disco "Use your illusion II" de Guns and Rose
Civil War (1991)
Cuando hablamos de Queen, y tenemos que escoger un disco o una canción, nos introducimos en una gran entelequia de difícil solución, y es que todas las canciones son de tantísima calidad que cuesta mucho trabajo decidir. Sin embargo, siempre existen algunas canciones que por algún que otro motivo han sobresalido por encima de las demás, y entre esas, podemos escoger una perteneciente al último trabajo que realizaron los cuatro músicos juntos, trabajo que se publicó también en 1991 y que llevó por título genérico "Innuendo". En su interior localizamos el tema de título homónimo al disco, en el que vuelven a hacer una canción llena de distintos pasajes al estilo de los discos que nos ofrecieron en el primer lustro de los años 70. "Innuendo" es una magna obra que no genera ningún tipo de desperdicio, desde el redoble de tambor que inicia la canción, pasando por los densos pasajes de las primeras estrofas, con guitarras punzantes y distorsionadas, pasando después a un intermezzo de guitarra española, simplemente magistral. Sigue una parte vocal excelente con unos coros magníficos, que nos recuerdan al "Bohemian Rhapsody", para después dejar rienda suelta al rockerísimo punteo que se marca Brian May, para volver, como si de una canción circular se tratara, a la densidad de los primeros pasajes, eso si, de nuevo con unos coros inmensos, para posteriormente concluir con un final cálido pero sin remisión. Escuchemos y veamos el vídeo oficial de la canción, que muestra imágenes muy españolas, influencias claramente andaluzas en toda la canción.
Innuendo (1991)
"Innuendo", último trabajo de Queen
"A man I´ll never be", preciosa canción de mis queridos "Boston". Boston es otro grupo de los que no saben impregnarse de mediocridad. Todo lo hacen con una calidad sublime, que han ido reafirmando en cada uno de los discos que nos han brindado a lo largo de su carrera. Discos que han ido publicando de forma pausada en el tiempo para poder medir hasta el último detalle de los mismos. Tras su genial obra multiplatino de 1976, de la que ya hablamos en el artículo "Diez que dejaron huella", se dejaron caer con otra pieza impresionante que conocemos como "Don´t Look Back". Este segundo disco, que considero aún mejor que el primero, (pero claro está, el que marca un antes y un después en la historia de la música, fue el primero), guarda en su interior unas magníficas canciones, de las que destaco sobremanera, la ya nombrada "A man I´ll never be", que aunque fue publicada oficialmente en 1978, ya la habían compuesto unos años antes. Tremenda canción que nos deja destellos de rock sinfónico, unas contundentes guitarras de Scholz, con esas entradas que caracterizaron al grupo, una voz prodigiosa llena de sentimiento a cargo de Brad Delp, con letra muy emocional y unos teclados que poco a poco van adueñándose de la canción. Lo mejor es oírla. No existe vídeo oficial de la misma, pero si os dejo un montaje bastante acertado.
A man I´ll never be (1978)
"Don´t look back", segundo trabajo discográfico de Boston
Existe un grupo, al que se reconoce muldialmente por una canción, "Dust in the wind". Sin embargo la carrera de Kansas es bastante extensa, y va más allá de lo que significó esta canción, incluso diría que la trayectoria del grupo se aleja bastante de la canción que tanto los identifica, pues Kansas, practicó un Rock sinfónico, a veces cercano al hard, eso sí, siempre endulzado con bellas melodías. Fue en el año 1977, cuando se dejaron caer con una preciosa balada que pasaría a los anales de la música Rock de todos los tiempos y que los catapultaría al éxito mundial. "Dust in the wind" es una canción que se desarrolla en todos sus pasajes sin que aparezca el ritmo de la batería, sólo al final de la misma se oirán unos leves timbales. La bella melodía de la canción es envuelta por el sonido del violín que se convierte en instrumento solista en algunos momentos del tema. Una preciosa canción que nos provoca una especie de encantamiento desde el primer acorde. Os dejo con el vídeo oficial de la canción.
"Dust in the Wind" (1977)
"Point of know return", disco al que pertenece
la canción "Dust in teh wind"
No son los Rolling uno de mis grupos preferidos. Sin embargo, es evidente que tengo que rendir pleitesía a sus satánicas majestades, pues son muchas las canciones que han sabido marcar a fuego en la historia de la música, a lo largo de su longeva carrera. De todas ellas, hay una que me gusta especialmente y considero una joya del rock. Esa canción es "Angie". De nuevo una balada en un grupo de Rock, y es que los rockeros son los creadores de las mejores baladas de la historia en esta ciencia que se llama música. Cuanto arte y cuanto sentimiento se esconde en los acordes de Angie, llevada a efecto con un sonido acústico de sus guitarras y unos teclados que van acompañando la totalidad de la canción, a veces en una presencia secundaria y en otras tomando el protagonismo de este trabajo de los ROLLING. "Angie", canción perteneciente al disco "Goats Head Soup", del año 1973, con un sonido, en el que a día de hoy, no se aprecie para nada el paso del tiempo.
"Angie" (1973)
"Goats Head Soup"
Trabajo de discográfico de los Rolling del año 1973
En ocasiones nos encontramos con canciones muy grandes, y son grandes no por la duración de las mismas, aunque de la que os voy a hablar ahora dura nada más y nada menos que 26 minutos. Hay canciones que son grandes porque marcan un hito en la música, y sus melodías quedan grabadas a fuego en el cerebro de aquellos que tienen la suerte de introducirlas por sus pabellones auditivos. La canción de la que os estoy hablando es el "Shine on you crazy diamont" de los Pink Floyd. La canción era tan larga que no cabía en una cara del disco, por lo que tuvieron que partirla en 2 actos, convirtiéndose en la apertura y en el final del disco "Wish you were here" del año 1975. La canción, con unos pasajes densísimos, está constituida por 9 partes, que va desarrollándose lentamente y las melodías se van construyendo de forma pausada hasta que van alcanzando un climax de plenitud musical, para ir desmoronándose con la misma cadencia hasta concluir definitivamente. La canción y el disco entero está dedicado al fundador de los Pink Floyd, Syd Barrett. Músico que tuvo que abandonar el grupo tras los primeros éxitos del mismo por sus problemas con las drogas y su difícil personalidad. Sin embargo, Barret, siempre fue referencia y fuente de inspiración para los mayores éxitos de Pink Floyd. Os dejo con la canción en su formato completo de 26 minutos de duración.
"Shine on you crazy diamont" (1975)
"Wish you were here",
disco de unos Pink Floyd en plena forma
No quiero pecar de clásico, pero es que me gustan un montón de canciones que forman parte de los clásicos de siempre, y en esta entrada no podía dejar escapar el "Changing of the guards", de nuevo, del maestro Dylan. La canción la escuché cuando era niño, la melodía se quedó grabada en mi cerebro y de vez en cuando la tarareaba. Ni siquiera sabía como se llamaba la canción, y fueron muchos años más tarde, cuando me lancé decididamente a buscarla y a archivarla en mi discoteca personal, no exento de dificultades, pues encontrar una canción entre la extensa carrera discográfica del poeta del rock, es una ardua tarea. "Changing of the guards", es un tema del año 1978, perteneciente al LP "Street Legal", y le pasa, un poco, como a "Hurricane", que se convierte en una canción que podría no acabar nunca, su melodía se va metiendo por nuestros oídos hasta llegar a hipnotizarnos, y es el sonido del saxo el que a veces con una alegre melodía nos vuelve a traer al mundo real. Os dejo con una delicia de canción.
Changing of the Guards (1978)
Street Legal, gran trabajo de Bob Dylan del año 78´.
De nuevo Toto. Si el gran disco de Toto es "Toto IV", del año 1982, la canción que más me gusta de esta banda, es este temazo que se marcaron en su álbum debut de 1978. En ese álbum pusieron el listón muy alto, y es que eran unos grandes musicazos, y nos deleitaron con la enorme canción "Hold the line", una auténtica joya musical atemporal. Tema de puro hard, con los tremendos coros de los que siempre hicieron gala, un punteo exquisito y esos pasajes en los que nos recuerdan que son un grupo de rock progresivo, aunque con esas múltiples influencias pop,soul, funk, blues, jazz...
"Hold the line", un tema para quedar totalmente satisfecho en sólo 4 minutos de interpretación creativa de estos geniales Toto.
Video oficial de la canción ·Hold the line"
Disco debut y homónimo de Toto (1978)
Debo confesar, que Metallica en su origen no fue un grupo de mi agrado. La música que practicaron en sus comienzos, el "thrash", la considero demasiado contundente, sin embargo al pasar su música por el tamiz del tiempo y siempre acompañado por el talento innato de sus músicos, han conseguido hacerse con un huequecito de mi gusto musical. Pero es innegable que a Metallica hay que rendirle pleitesía, por las grandes composiciones que han ido presentando a lo largo de su carrera, pero sobre todo hay que quitarse el sombrero con la magnífica trilogía de baladas que conforman las canciones "One", "Nothing Else Matters" y "The Unforgiven". Tres obras maestras, tres delicias para saborear con la dedicación que se merecen. Hoy me voy a decidir por ofreceros "Nothing Else Matters", quizás la más comercial de las tres. Aunque si tuviera que elegirla otro día, podría decidirme por cualquiera de las tres indistintamente. La cadencia con la que comienza "Nothing Else Matters", te hace involucrarte en la canción desde el primer momento. Posteriormente las notas van potenciándose "in crescendo", hasta llegar a un soberbio punteo, muy conciso, que sirve de puente para dejar la canción de nuevo en su punto de partida. Simplemente magistral.
Video oficial de la canción "Nothings else matters"
Albúm Black de Metallica (1991),
en el que se encuentran las canciones
"The Unforgiven" y "Nothings Else Matters"
Y para acabar esta entrada, vamos a hacerlo con una canción perfecta. No se puede concentrar de mejor manera todos los pasajes, estribillos y punteos del tema en los 3 minutos y 40 segundos aproximadamente, que es lo que dura la canción. Para los seguidores más antiguos de Mike Oldfield, "Crises" es un disco muy comercial, pero yo debo decir con todos los respetos, que es un magnífico disco en la linea del "Five Miles Out", en los que hay una cara A, en la que da rienda suelta a las composiciones de más de 20 minutos al estilo del mítico "Tubular Bells", y una cara B, que se encuadra en la estructura musical habitual de las canciones de la década de los ochenta. La canción de la que os hablo, perteneciente al disco "Crises", es la también mítica "Moonlight Shadow", versioneada en multitud de ocasiones por todo tipo de artistas. La canción nos cautiva con una preciosa voz y una bella melodía, con ese sabor a folk, del que Oldfield gusta contaminarse. La guitarra es protagonista en muchas fases de la canción, desde las claras notas del inicio, pasando por los acordes machacones tan característicos que se marca al final de cada estrofa, y terminando por los dos excelentes punteos, uno con las limpias notas de la fender stratocaster y seguidamente ese suave punteo distorsionado de la gibson flying, que ya no cesará hasta el final de la canción a base de minúsculos riffs... Toda una gozada.
Año 2002, en plena vorágine de "triunfitos", y cansado del agotamiento musical al que nos llevó la década de los 90´, salvo en marcadas excepciones..., llegó a mis manos un disco que recibí con cierta incertidumbre.
Con todo el cariño del mundo, una persona allegada a mi circulo familiar, sabiendo de mi afición por la música, me ofrece y pone en mis manos un disco para que le de una escucha. Considerando mi pasado rockero, digamos que mi cara sólo gesticuló con una expresión de sorpresa... ¿Lo habría hecho con la intención de que fuera suavizando mis gustos o quizás lo hizo por desconocimiento de mi verdadera atracción musical? De todas maneras, como mi apetito musical devora toda la música que se aproxima al radio de acción de mis oídos, el disco fue recepcionado rápidamente, con escepticismo, por mis pabellones auditivos.
No había escuchado aún ninguno de los discos anteriores de este grupo, aunque las dos canciones principales de aquel plástico, que me habían prestado, si que las había oído innumerables veces en las emisoras de radio, formando parte de las radiofórmulas de ese momento.
El disco, se dejó escuchar, con relativa solvencia, y pasé del escepticismo a la grata sorpresa. Detrás de un grupo de Pop, que había logrado alcanzar el premio de las radiofórmulas, se escondía una música que a pesar del toque comercial estaba hecha con mucha esencia e integridad. Por esa época estábamos tan bombardeados por los triunfadores de la operación bazofia, que me alegré enormemente que un grupo de pop-rock al uso, consiguiera hacerse un hueco en las emisoras de radio y que sus discos se vendieran multitudinariamente. De hecho, fueron los verdaderos "triunfadores" de los premios de la música de aquel año.
Os estoy hablando del disco "Estrella de Mar", del grupo que lideran Eva Amaral y Juan Aguirre.
Vídeo Clip "Moriría por vos" del Disco Estrella de Mar (2002)
Meses más tarde presencié un fragmento de su actuación en el Esparrago Rock, donde también actuaron ese año grupos como Dover, Bunbury, Extremoduro e Iggy Pop, entre otros muchos músicos más. La actuación me pareció llena de intensidad, y evidementemente no estábamos ante un grupo corriente, la voz en directo era excepcional, y el sonido de la banda muy compacto, desviándose muy poco de lo plasmado en el disco. Además, los acordes que brotaban de la rickenbacker de Aguirre, me aportaban muy buenas sensaciones.
Unos años más tarde llegó, "Pájaros en la Cabeza" (2005), y la confirmación ante mí, de que estoy delante de un gran grupo de pop-ROCK, y pongo Rock en mayúsculas, porque la base es puramente rockera, muy adornado con los ingredientes del pop, pero con una esencia puramente de rock.
Un nuevo disco con enjundia, provocó que buscara en las discotecas de música añeja, para localizar los trabajos anteriores de este grupo, y así llegaron a mis manos, "Amaral" (1998) y "Una pequeña parte de mi" (año 2000).
Esperando un resplandor (2011)
Los nuevos discos de esta banda fueron llegando al mercado discográfico, con margen de tiempo suficiente para no agotar la inspiración ni las ideas del grupo, y así fuimos engrandeciendo nuestra discoteca con "Gato Negro-Dragón Rojo" (2008) y "Hacia lo Salvaje" (2011), con un directo de por medio en el año 2009 "La Barrera del Sonido".
Desde el 2011, nos han tenido un poco abandonados discográficamente hablando, aunque no musicalmente, pues nos han adelantado algunos singles, y también han sido muchas la colaboraciones que han mantenido con distintos artistas, siendo muy significativa la que les llevó de la mano de su propio productor, Juan de Dios Martín, a participar en la revisión de la obra conceptual de los Who, "Tommy", que llevó a cabo Barón Rojo, a finales de 2012, haciendo Eva Amaral de Reina Ácida y poniéndole la voz a la canción del mismo nombre.
Eva Amaral cantando "La Reina Ácida" (2012)
Es ahora, que se acerca el 30 de Octubre de 2015, fecha en la que se presentará el próximo disco de Amaral, cuando la impaciencia nos corroe por conocer el nuevo trabajo. Actualmente tenemos a nuestra disposición los adelantos "Llévame muy Lejos" y "Lo que nos mantiene unidos". Dos nuevas obras de Amaral, que nos hacen reflexionar sobre este "Nocturnal" que se acerca impertérrito hacia nosotros. A bote pronto, sólo puedo hablar de calidad, de hacer las cosas bien hechas, de madurez evolutiva constante en cada disco y a pesar de mantener un estilo muy marcado, van añadiendo conceptos musicales que hacen engrandecer el espectro musical que presenta la banda, o el dúo, como queramos definirlo. Estoy convencido de que el disco va a satisfacer a todos sus seguidores y a los que nos gusta la música bien elaborada y hecha con alma, no nos defraudará.
Ya tenemos portada y track list del disco, pero nos faltan 12 temas más que se implementarán a los que ya se han anticipado. Aquí os dejo una muestra del adelanto que nos presentaron el 16 de Septiembre como aperitivo al disco "Nocturnal".
Tenía ganas... Tenía ganas de hablar de este grupo. Y es que desde 1997 en que oí su primer disco "Ídolos de Papel", posiblemente el más convencional, a mi me pareció que en esa música se escondía una magia especial, que a poco que se confiara en la banda y se le diera libertad de expresión, llegaría la explosión de un aluvión de ideas alternativas a todo lo que musicalmente se cocinaba por aquellos años.
Sin duda, cada nuevo disco que fueron sacando, eran pasos evolutivos que se deslizaban por el duro camino de lo distinto, de lo inusual, a veces extravagante, otras veces bestial y en ocasiones dulce y elocuente, pero con una profundidad inmensa y unas letras con bastante injundia. Te pueden gustar o los puedes odiar, pero no te resultarán indiferenes... Yo a eso lo llamo atrevimiento, en un mundo tan conservador como es el Rock.
La primera actuación que presencié de la banda fue un verano, hace muchos años, aún en el anterior siglo, en un garito de la costa granadina, y la actuación me hizo confirmar que no era un grupo de rock al uso, había algo más, que los hacía muy grandes en un minúsculo escenario en el que ponían en circulación las ondas sonoras que producían cada una de sus canciones, liderados indiscutiblemente por su cantante, Manuel Angel Mart.
A "Ídolos de Papel" (1997) le siguió, "Víctimas del mismo Sol" (2000), "Ciencia" (2002), "Inventarse el Mundo" (2005). En el año 2006 nos presentaron su primer disco acústico, "El sentido de la calma", para unos años más tarde volver con la contundencia de "Buenos días voluntad" (2009), y "Querida contradicción" (2010). Fue en el año 2012, cuando presentaron su primer disco en directo, el cual grabaron en el Gran Teatro de Córdoba, la ciudad en la que se engendró este grupazo. El disco se llamó "El Tiempo, un placer para detener". Y en el año 2013 sale a la luz, lo que hasta ahora es su último disco de estudio "Neurasia".
Este disco fue presentado oficialmente. Salieron a la luz varios de sus videoclips de promoción, pero se quedó sin gira de conciertos de presentación, pues llegó la triste noticia de que un cáncer se estaba apoderando de la mística figura de su líder y vocalista Manuel Angel Mart. Todos los conciertos quedaron cancelados y la actividad del grupo estuvo paralizada algo más de un año, hasta recibir todos los amantes de la música la grata noticia de que Estirpe reaparecería, con Manuel Angel Mart al frente, en un concierto en acústico en su Córdoba natal.
Este concierto fue grabado integramente, y el grupo ha tenido el detallazo de publicarlo en el canal youtube, para que esté gratuitamente al alcance de todos los que nos gusta la música hecha con inspiración, con sentimiento, con elegancia, con calidad y con un mucho de atrevimiento.
Regalo de Estirpe, tras su reaparición
Podemos considerarlo, un disco en acústico en toda regla, que guarda en su interior la reintrepretación de un manojo de bellas canciones entre las que se encuentran, "Llévame", "Un esfuerzo más", "En tus ojos", "Ser mejor", "Infinito", "Vértigo", "El último pétalo" y "En silencio". Un concierto que se celebró en el interior de un templo fernandino del siglo XIII, con una especial complicidad entre público y artistas, por todos los diversos significados que encerraba aquel encuentro.
Os dejo la actuación, para que disfrutéis de este concierto con un sonido espectacular, a la altura de cualquier trabajo discográfico.
Concierto en acústico de Estirpe
Audio grabado por MartEstudios y mezclado por Manuel Angel Mart.
Actualmente, Estirpe ha reiniciado la nueva gira de promoción de su disco "Neurasia", la cual quedó cancelada por razones obvias en el momento de la publicación del disco. Para ello se ha publicado un nuevo videoclip con la canción "Infinito", que relanzará el nuevo calendario de conciertos, habiéndose anunciado ya, una nueva gira, "Frenético Tour 2015 en México", que comenzará en el mes de Diciembre.
Fue allá por Octubre de 2011, cuando me dirigía hacia la capital de España, para participar de lo que se anunciaba como el último concierto de Barón Rojo, al menos de su magistral formación (Hermes, Carlos, Sherpa y Armando). Mi esposa me acompañaba en el viaje y también al evento, y no podía comprender que lejos de estar feliz por ver una vez más a los cuatro maestros, fuera un poco meditabundo. Y es que dentro de mi, sentía que los asistentes al acto, íbamos a ser testigos de excepción del certificado de defunción del gran Barón Rojo.
Al llegar a Madrid nos esperaba un buen amigo, que ya nos tenía las entradas preparadas y unas palabras de generosidad, en las que me comunicaba que cuando volviésemos por la noche a su casa me tenía preparado un regalo que tenía que ver con el concierto que íbamos a presenciar.
Almorzamos, nos dimos una breve vuelta por el centro de Madrid y unas 2 horas antes del concierto decidimos marchar hacia la antigua Plaza de Toros de Vistalegre, ya que los metros para llegar se colapsan los días de concierto, según nos comentó nuestro buen amigo. Yo le apostillé que ya era el tercer concierto que daba el Barón Original en Madrid, que igual no habría tanta gente, y el ya me anticipó que al sacar las entradas le habían comentado que en las últimas horas había sido un goteo constante y se preveía una gran asistencia.
Efectivamente, conforme el comboy se acercaba a la parada de destino, la muchedumbre se iba adueñando del subsuelo de Madrid. Camisetas sacadas de otro siglo, cabezas con largas cabelleras peinando canas y otras que se caracterizaban por la casi ausencia de ella, todo se combinaba con chavalería, algunos de ellos de la mano de sus padres, y que posiblemente por primera y por ultima vez iban a presenciar a los 4 barones que 30 años atrás habían desencadenado la década de oro del Rock Español, la década en la que sus discos se convertían, uno tras otro, en ORO y PLATINO.
Al salir del subsuelo y encarar "El Palacio de Vistalegre", no podía dar crédito; una cola interminable de gente, que se perdía dando la vuelta a la manzana, esperaba entusiasta a las puertas del recinto. El Barón Rojo original, ya había colgado por dos veces consecutivas en Madrid, el cartel de "Entradas Agotadas", pero había sido en "La Riviera" con aforo para unas 3000 personas. En esta ocasión era en un recinto de dimensiones muy superiores con aforo para 10.000 almas, y el espectáculo de ver tanta gente allí, pacíficamente reunida, era simplemente impresionante.
Mientras esperábamos en la cola, fuimos transformando nuestra imagen, compré la camiseta negra del concierto y la cambié por el anorak verde que llevaba, no quería quedarme como un simple espectador, prefería integrarme y sentirme una célula más del monstruo que allí se estaba creando. Aunque lo cierto es que había tantos tipos de elementos, y tan variados, que no parecía un concierto de "hard rock" al uso, pues en el interior del Palacio de Vistalegre, se podía reconocer a una gran multitud de músicos del panorama nacional y algunos no precisamentente rockeros, gente de la farándula, médicos, ingenieros, ejecutivos agresivos y hasta un afamado abogado de abundante bigote. Gente de todas las condiciones, sexo y edades, niños, jóvenes, maduros y algunos abuelos... que se habían congregado para presenciar el último vuelo del Barón Original.
Una vez anclados en nuestra localidad, pude apreciar la atónita mirada de alguno, o algunos, que en los distintos foros habían destripado por enésima vez la reunión de los 4 barones. No podía ser cierto... Vistalegre lleno para ver a Sherpa, Hermes, Armando y Carlos.
Desde el primer instante, el monstruo que allí se originó, no dejó de rugir, coreando todas y cada una de las canciones que los 4 barones iban desgranando durante 3 horas de música sin descanso, "Los rockeros van al infierno", Resistiré", "Con botas sucias", "Larga vida al R´n´R", "El malo", "Caso perdido", Tierra de nadie", "Travesía urbana", "Mil años luz"...
Os dejo con un fragmento de lo que allí se vivió.
No es un video de mucha calidad pero si refleja el ambiente
y la marea humana que allí se dio cita
Al finalizar el concierto, una grata sensación. Era como la confirmación de que aquellos gloriosos años que vivió Barón Rojo en la década de los 80´, habían sido cierto y no un simple recuerdo de quinceañeros. El espectáculo que allí se vivió y el seguimiento que había hecho de él ese monstruo de 10.000 cabezas que se congregó alrededor del dios "Barón", certificaba que hace 30 años estos señores fueron los reyes del panorama musical español, y que los 4 genios juntos seguían siendo capaces de congregar a aquellos viejos fans y a los hijos de estos... Además, aquella noche no se certificó ninguna defunción, pues fue noche de algarabía y de sensaciones muy vivas que rápidamente provocaron la noticia de una nueva actuación de la formación original, esta vez en Barcelona.
Despedida del Barón en aquella noche mágica
del 22 de Octubre 2011 en Vistalegre
Tras el concierto, unas cañas y unas tapas por los alrededores del recinto, mientras otra cola se erigía para hacerse fotos con los artistas. Eran los asistente que habían comprado las entradas VIP y que tenían la suerte de poder pasar a camerinos y estar con los 4 barones.
Finalmente, al llegar a casa, nuestro amigo me hizo entrega de un regalo con las siguientes palabras:
"Aquí tienes el disco que tanto deseas y que nunca publicará tu grupo favorito".
Mi amigo continuó diciendo:
"Y es que 4 genios juntos son capaces de construir una leyenda, pero 4 egos juntos son capaces de destruirla".
Mi amigo, me había regalado un disco de los cuatro miembros originales de Barón Rojo, hecho por él mismo, en el que había metido canciones creadas por separado por las 2 facciones que nunca se conciliarán y que nunca nos brindarán a sus fans el placer de escuchar, una vez más, una nueva canción creada e interpretada por los 4 barones.
El set list del disco es anecdótico, pero creo que también se lo curró, haciendo un disco potente que, de no ser virtual, hubiera dado mucho que hablar.
Contraportada, con el set list del disco
Como curiosidad, le adjuntó el anagrama de Universal Music, que también tenía su por qué, ya que meses atrás se había publicado la noticia del fichaje del Barón Rojo Original por dicha discográfica para publicar un disco en directo que llevaría por título "Rockero Universal - Vuelo Directo 20:10" y que evidentemente gracias al "gran entendimiento" de los cuatro músicos, nunca llegaría a grabarse.
En fin, hoy os presento el esperado disco de Barón Rojo, que nunca llegaron a grabar los cuatro músicos juntos, pero que gracias a un buen amigo ahora tengo el placer de tener en mi poder. Un disco que se hace mucho más ameno que cualquiera de los que han sacado los 2 bandos por separado. Dígase que la tradicional alternancia de voces y las distintas formas de componer lo hace mucho más completo, al estilo de los que grabaron en la mágica década de los ochenta.
Larga vida a la esperanza, de que algún día sea realidad la grabación de un nuevo disco del Barón de Sherpa, Armando, Hermes y Carlos.
Salud y buen rollo.
Esa misma noche, desde otra perspectiva.
Concierto para ellos
Y una tercera perspectiva
Por siempre... Resistiré
Por último, un magnífico videoclip del tema
"Siempre estás allí",
conmemorativo de la gira 30 Aniversario.
A petición de una persona a la que le tengo un afecto muy especial, hoy os voy a dejar un post en el que voy a dar unas pinceladas de un grupo que ha pasado un tanto desapercibido en el panorama musical del rock patrio y al que, quizás, como me ha transmitido esta persona tan especial, se debería de prestar algo más de atención, dada la calidad musical, vocal y letrística que dejan entrever, a lo largo de la carrera discográfica de esta banda, con algo más de una treintena de canciones que nos muestran repartidas entre sus 3 discos hasta hoy publicados.
Formación compuesta por:
Romariet, Lutfi, Emma, Fher y Javi.
Piel de serpiente, es un grupo fundado en la primera década de este siglo XXI, en Valencia. En el año 2005 graban su primer trabajo, que les sirvió para abrirse camino por los escenarios del territorio nacional. Este trabajo llevó por título "Encenderé tu Fuego", y ya da muestras de sus medidas melodías con las que impregnan cada una de sus canciones, así como de la portentosa voz que caracterizará al grupo hasta la actualidad. Canciones como "La dama gris", "El Beso del Sol" o "La luz que me ilumina", ponen el listón muy alto a este álbum debut de Piel de serpiente.
"La dama gris"
Canción perteneciente a su primer disco
"Encenderé tu fuego" (2005)
Tras varios cambios en su formación y ya en el 2008 presentaron su segundo trabajo, "El veneno se extiende", mucho más consolidado, con un sonido muy compacto, y una mejor producción a la altura de las bellas composiciones que realiza el grupo y con una formación que hicieron estable durante bastantes años, con la gran voz de Lutfi, las guitarras de Javi y Fher, y una base rítmica conformada por Romariet y la baterista femenina Emma. Este es un disco sin concesiones, todas las composiciones son de un altísimo nivel, si bien me gustan sobremanera "Vuelve a mi", "Víctima del tiempo", "El juramento", "Jardín de espinas", así como las nuevas versiones que graban de "El Huracán" y la magnífica "Carpe diem".
"Carpe Diem"
en su versión para el disco
"El Veneno se extiende" (2008)
El siguiente trabajo, con idéntica formación, consolida la trayectoria del grupo y su sonido, que lo hace reconocible por donde quiera que va. En el año 2011, nos sorprenden con un trabajo impresionante que titulan "Inevitable". Disco que mantiene el buen nivel del anterior, con canciones como "Corazones salvajes", "El umbral", "Sangre", "La marea del ayer", "Sueños perdidos" o la tétrica pero magistral "Inevitable", que confirman la calidad de esta banda de rock melódico, a veces muy contundente, con unos estribillos que atrapan a la primera a los oyentes, con una voz impresionante, una conjunción musical precisa y canciones que en su conjunto suelen llegar al notable alto, o muy alto.
"La marea del ayer"
perteneciente al disco
"Inevitable" (2011)
Cabe destacar, que entre los discos "El veneno se extiende" y el disco "Inevitable", existe otro trabajo discográfico que titularon "Ya no hay marcha atrás". Disco que grabaron como premio por ser los ganadores de un concurso de música Pop-Rock que organizó la Diputación de Valencia y en el que participaron más de 130 bandas. En este disco se incluyeron ocho temas, entre los que hay algunas revisiones de temas como "Viuda negra", "Víctima del Tiempo", "Vuelve a mi" o "Lágrimas sobre el cristal" que la transforman en una versión acústica, así como las versiones de los clásicos del grupo Sangre Azul , llamada precisamente "Piel de serpiente", la versión de Krokus "Burning up the nigth", con letra en castellano y subtitulada como "El jardín de la mezquindad", y la versión del temazo "Antinuclear" de Miguel Ríos. Además se incluía la que en ese momento era primicia, "La marca del diablo", que más tarde aparecería en la siguiente publicación discográfica "Inevitable".
"El Huracan"
del disco "El veneno se extiende"
Hoy por hoy, la banda, con cambios en su base rítmica, se encuentra inmersa en la grabación de un nuevo disco, que posiblemente lleve el mismo título que la canción que han presentado como adelanto "Todo o nada". Por ello, sólo podemos desear que el próximo trabajo se mantenga a la altura de los anteriores, sin perder la esencia y la calidad que los ha caracterizado hasta la actualidad.
Piel de serpiente, un grupo, que no es sobresaliente en nada en particular, pero que en su perfecto equilibrio, consiguen tener un notable altísimo en todo en general..., por su buen hacer, sus composiciones, sus instrumentaciones, su voz, sus letras, sus melodías, su contundencia, sus baladas... en definitiva, un grupo que deja un satisfactorio regusto a CALIDAD.
Llego tarde, lo se. Pero cuando han llegado a mis oídos los seis temas que componen este sublime disco de Salvador Domínguez, no he podido morderme la lengua.
Y digo que llego tarde porque el plástico se grabó el año pasado, si bien el vídeo colgado en la red ya pertenece a este 2015 en el que nos encontramos... Y ha sido hace unas semanas cuando, de nuevo en una de esas tiendas especializadas en buena música, que tanto me gustan y quedan tan pocas, he visto la granada de mano que se escondía entre otros discos más vulgares. Evidentemente el CD ya está en mi poder.
Recuperemos la Ilusión.
Ultimo trabajo de Salvador Dominguez
El disco es simplemente sensacional, seis trallazos sin descanso, con una versatilidad tremenda, con unas composiciones magistrales y por supuesto con el protagonismo necesario que el autor siempre le impregna a su instrumento máter, la guitarra. Un disco fino y elegante, además de duro y potente, con un enorme elenco de minuciosos detalles guitarreros que deleitarán a los amantes de las seis cuerdas. Eso sí, sin saturar dicho protagonismo de la guitarra, porque por encima de todo, Salvador ha compuesto seis canciones con sus ritmos, sus melodías, sus armonías y por supuesto sus solos de guitarra. Pero a diferencia de otros guitarristas que lo que hacen son sólos de guitarras con acompañamiento musical, en este disco lo que hay son canciones pero acompañadas de sus sólos de guitarras, sus riffs, sus tappings, y sus mil recursos de uno de los mejores guitarristas del panorama nacional e internacional, que tenemos la suerte de albergar en nuestro país.
El disco se abre con la canción que da título al álbum, y ya te pone los dientes largos. Precisamente te hace recuperar la ilusión en sólo 4 minutos de canción. Sinceramente, con canciones como esta, el Rock no está muerto, hay gente ilusionante e ilusionada, como Salvador, que lo mantienen vivo.
"Rebeldes sobre ruedas", no da tregua al disco, con unas melodías que van montándose unas sobre otras... "no tengo fronteras, no creo en banderas" "tu y yo por la carretera" "Rebeldes sobre ruedas". Una canción que te hará vibrar.
Si ya es difícil crear una canción 10, que sea instrumental... pues en este disco aparecen dos. La primera instrumental, "El Dorado", es un impacto frontal de rock al más alto nivel y con unos momentos de melodía que hace recordar el pasado Banzai de Salvador Domínguez. La segunda instrumental, y quinta canción del disco, te puede dejar sin palabras. "Vivaldi in Cookham" nos transporta a lo más clásico del clásico, simplemente una joya para que disfruten nuestros oídos.
Gran canción es la que lleva por título "Primera línea de fuego", cuarta en el orden del disco. De nuevo un tema compacto que no deja indiferente a nadie con mensaje para la juventud, entre comillas, del "Papa Francisco".
El disco se cierra con otra bomba de relojería, llena de marcha, melodía e intención, que lleva por título "Cara a cara" y subtitulada como "Entre la Espada y la Cruz".
Recuperemos la ilusión.
Tema que abre el disco
El disco te deja con ganas de más. Pero como siempre he dicho prefiero discos con pocas canciones pero buenas, y poderlas desmenuzar hasta la saciedad, que discos con multitud de temas que al final no pueden ser trabajados por el oído con el tiempo que se merecieran y finalmente acabarán convertidas en canciones de relleno que se perderán en el olvido.
"Recuperemos la Ilusión", es un minidisco en el que no hay espacio para la mediocridad y sus seis canciones desbordan ambición musical. Seis canciones que se quedarán grabadas en la corteza cerebral de toda persona al que lleguen sus acordes, sus melodías y los punteos del maestro de guitarristas, Salvador Domínguez.
Mi primer contacto con los sonidos de Tahúres Zurdos, se produjo en el año 1990. Por aquel entonces pasé unos meses de obligada tournee en la ciudad de la ría del Nervión.
En mi memoria aun quedan destellos de aquellas vivencias, casco viejo, zuritos, teatro Arriaga, Txomin barullo, puente colgante, ayuntamiento, el viejo San Mamés, gran vía... Con gentes peculiares llenos de contrastes, igual entonaban una canción tradicional en eusquera, que los oías corear el "hijos de caín", en un ambiente que mayoritariamente se vivía en la calle.
Recuerdo también, que uno de sus canales autonómicos tenía una programación algo subidita de tono, y digo esto, "subidita de tono", porque estaba cien por cien dedicada a música y a diferencia de lo que se estilaba por otros lares, donde el rock comenzaba a estar bastante denostado, aquí el ROCK tenía plena vigencia.
Fue en el segundo canal de la Euskal Telebista, donde vi por primera vez a un grupo navarro, liderado por una rubia que con una voz muy personal cantaba "Una noche de amor"... Entre video-clips de "The Cross", "Cher", "Billy Idol" y el "I want it all" de "Queen", se colaba habitalmente uno de los Tahures Zurdos.
La canción pertenecía al primer larga duración de esta banda, titulado "Tahuría", aunque ya existía un precedente, un Mini LP anterior con 6 canciones que se había publicado en el año 1988.
Tras oír la canción múltiples veces en la radio, al menos, en las emisoras del País Vasco, y ver a los miembros de la banda, meses después, atravesando por un paso de cebra en la ciudad de Donosti, donde tocaban ese día, no volví a saber más del grupo.
Actuación en Televisión
Fue en el verano de 1991, cuando vuelvo a oír a través de las ondas sonoras de alguna radiofórmula, una canción que hace que detenga mi atención sobre ella. "Tocaré", y cual es mi sorpresa, cuando descubro que es el mismo grupo navarro que un año antes mis oídos, gratamente, habían descubierto. A partir de ahí una buena amiga me regaló el nuevo LP "Nieve Negra" y comienza mi interés por una banda que hacía incursiones en el blues y en el rock con una personalidad arrolladora y una pureza musical tremenda.
Posteriormente llegarían otros discos, "Arido" (1992), "La Caza" (1994), "Azul" (1996), "TAK" (1997), "Básico" (disco en directo y acústico grabado en 1998), El tiempo de la Luz (2000), para acabar la carrera discográfica de este gran grupo con "17 Años" (2004 - Disco en directo que recoge, con fuerza, 16 canciones que recorren toda la historia musical de la banda).
Video Clip "Lo Peligroso" con Rosendo
Todos estos discos se caracterizan por un equilibrio magistral, unas composiciones precisas, con una personalísima identidad en cada una de sus canciones, sin florituras pero con una tremenda pureza musical, que afloraron tanto en sus discos como en sus actuaciones en directo, lo que los llevará a ser el grupo de rock de referencia durante la década de los noventa.
El siglo XXI, no trajo buenos tiempos para la banda. La intensión de las multinacionales por quedarse sólo con la parte femenina del grupo y la autodeterminación de Aurora Beltrán en negarse a ello una y otra vez, hará dura la subsistencia de la banda y en 2004, tras su disco en directo, planearon una despedida que han mantenido hasta la actualidad.
Si bien, sus fans, conservamos la suerte de tener dos remozados apéndices a la notable carrera de los Tahúres, que son los dos discos que Aurora ha publicado en solitario, "Clases de baile" en el año 2008 y "Museo púrpura", acústico en el teatro Campos Elíseo del año 2012, en el que se muestra una perfecta simbiosis musical entre lo que es Aurora y lo que era Tahúres Zurdos. En estos discos quizás echamos de menos un poquito de la fuerza rockera de otro tiempo, pero encontramos unas canciones más intimistas aunque con una composición llena de poderío, nuevamente magistral, unas letras muy contundentes y una profunda voz que le da personalidad y empaque a cada una de las canciones.
Video clip de Aurora Beltran en solitario
"Clases de Baile"
Esta es la pureza de la música que practicó Tahúres Zurdos, y en su continuidad Aurora Beltrán, un rock puro a secas, con una gran personalídad y unas señas de identidad muy auténticas, que lo caracterizó a lo largo de toda su trayectoria musical, canciones como "No dispares", "Chicas fuertes", "No", "Planeta ruído", "Que entre la luz", "Arde", quedarán grabadas para siempre en la banda sonora de los años 90´, sin olvidar aquellas magníficas versiones que supieron hacer suyas, como "Five Years", "Fiesta", "Piece of my Heart", "Dime que no" o la soberbia "La noche es...(because the nignt)".
Que la música de Tahúres perdure por siempre en el tiempo.
Corría el año de 1990. Paseaba con mi amigo "Sevi" por el bellísimo paseo marítimo de la playa de la Concha, en un incipiente y mágico verano en el que ya habíamos tenido la oportunidad de saludar y confraternizar con el mismísimo Javier Gurrutxacha, por el corazón del casco viejo, y con Mikel Eretxun, en una tienda de discos, gracias a las relaciones de nuestro otro amigo Pedro el burgalés. Pero el destino nos deparó una nueva sorpresa.
La expresión de mi amigo "Sevi" fue: "Vaya negro más elegante". En otras palabras, nos habíamos topado con un señor mayor de color, que resaltaba como un destello dentro de un elegantísimo traje blanco. Persona grande, fuerte y gruesa que no pasaba desapercibido. Sin duda alguna estábamos delante de alguien importante ¿sería el rey?.
Sólo su presencia creaba una especie de aureola, que debe ser la gloria o la fama de una estrella de verdad. Nos quedamos atónitos y ante la cercanía y la posibilidad de haber estrechado la mano a uno de los más grandes, nos quedamos de piedra y dejamos pasar la oportunidad de haber cruzado unas palabras con el genio.
Esa noche tocaba el rey en la majestuosa ciudad de San Sebastián, junto con otro genio, igual de grande, Chuck Berry, y aunque por aquel entonces, prefería pasar las noches rodeado de las melodías de Helloween, los acordes del viejo Barón, y de los encantos de una bellísima morenita estadounidense de pelo erizado que se hacía llamar Roxanne, decidí que iría al concierto.
Actuación de B. B. King
de la época en que yo lo descubrí.
Gracias a este concierto de puro blues, descubrí a un torrente de voz, que con calma y tranquilidad también tocaba su guitarra, con un sonido limpio, con unos riff claros, concisos y llenos de virtuosismo. Esta forma de tocar la guitarra quedaba lejos de la saturación de los punteos y de los tapping que demandaba mi juventud rockera, pero fue como encontrar la puerta de otro mundo, al que, por desidia, nunca me había adentrado.
Dada la edad del músico en cuestión, en aquel año 1990 creí haber estado en un concierto único, pero nada más lejos de la realidad, pues la vitalidad del rey, le hizo seguir subido a un escenario 25 años más, hasta que la pasada noche, a la edad de 89 años, decidió enmudecer para siempre a su guitarra "Lucille".
No cabe duda, os estoy hablando de uno de los grandes, de B.B. King, ese bluesman, que viajó de la más absoluta pobreza hasta la máxima cima de la fama, que ganó 15 premios Grammys, al que han adorado y del que han querido beber músicos del talento de Eric Clapton, Bono o el cercano Raimundo Amador entre muchos otros.
Ahora sólo puedo decir, "Adiós Rey del Blues", y que otra Lucille de 6 cuerdas te espere en el cielo a modo de arpa como instrumento celestial, para entretenerte en los largos ratos de la eternidad.
Siempre perseguido, por los sonidos provenientes del mestizaje, de la fusión, influenciado por el rock progresivo en su vertiente más sinfónica, y siempre envuelto en esa pelea por desempolvar a aquellos que gustan de pasar un poco más desapercibidos, pero que esconden ese halo de magia y de calidad, sólo a la altura de los mejores... me hace que algunos de mis ratos libres los dedique a escuchar música de esa que raras veces ponen en las emisoras de radio.
Por eso hoy os quiero dejar unas breves notas sobre el duo que forman Ritchie Blackmore y Candice Night, que ahora hacen ya 20 años de su unión musical, pues fue en 1995 cuando Candice participó como corista en el disco "Stranger in us all", en lo que Ritchie Blackmore quiso que fuera su disco en solitario, pero que la casa discográfica le obligó a firmar como Rainbow.
Candice Night y Ritchie Blackmore
A partir de ese momento comienza a forjarse la unión Blackmore´s Night, al menos en el aspecto musical, aunque también se conformara en el aspecto sentimental, a pesar de los 26 años de diferencia que separan al viejo rockero con la bella cantante de música medieval. Y eso precisamente es lo que han sabido fusionar como nadie estos artistas, música medieval, o renacentista como ellos lo llaman con los riffs de guitarra del genio de las 6 cuerdas.
Canción "Shadow of the Moon" de su primer trabajo
No fue hasta el año 1997, cuando nos sorprendieron con su primer disco, "Shadow of the moon". Los rockeros de toda la vida, no dábamos crédito. Ritchie se había aterciopelado. pero existía algo en el disco que gustaba, y por supuesto, a pesar de ser un disco de música folk, por momentos aparecía el destello y la impronta de Ritchie, esa personalísima forma de tocar el instrumento de las 6 cuerdas, acompañado en todo momento de una excepcional voz que daba una elegante calidad al trabajo.
Parecía un simple paréntesis en la actividad rockera de Ritchie Blackmore, pero nada más lejos de la realidad, a "Shadow of the moon", le siguieron "Under a violet moon" (1999), "Fires at midnight" (2001) y "Ghost of a rose" (2003). Eso si, imprimiéndole un carácter cada vez más rockero, dentro de un género que podemos llamar como Música Medieval Renacentista.
Tras su cuarto trabajo se embarcan en la gira "Castles" que acabaría con la publicación del DVD "Castles and Dreams", cuyas actuaciones se hicieron integramente entre paredes de lúgubres y misteriosos castillos medievales, en las que el público asistente acudía también vestido de época. Ya había otra publicación precedente de sus actuaciones en directo, "Minstrels and Ballads" del año 2001, y en el 2007 nos dejarán una nueva impronta de lo que son sus conciertos en vivo con "Paris Moon" y "A Knight in York" en 2012.
"Way to Mandalay"
Pero la producción discográfica en estudio también se ha ido manteniendo en el tiempo hasta nuestros días, pues en 2006 nos presentaron " The Village Lanterne" y "Winter Carols", un disco especial para la Navidad. En 2008 llegó el "Secret Voyage", y en 2010 "Autumn Sky", dedicado al primer retoño de la pareja.
Actualmente seguimos inmersos en las melodías que nos dejó el que por ahora es el último disco en estudio del dúo Blackmore´s Nigth, el disco "Dancer and the Moon", que vio la luz en Junio del 2013, y en el que destacan canciones como "I Think It´s going to rain today", la versión que hacen del "Lady in black", la que da título al álbum "Dancer and the Moon", la excepcional "The Moon is Shining" o "Carry on... Jon", dedicada al que fuera teclista de Deep Purple, ahora tristemente fallecido, Jon Lord.
Os dejo con esta pareja de músicos sin igual, que gustan de envolverse entre castillos y sueños, folk y rock al cobijo de la luna, melodías de otros tiempos aderezadas por ritmos que nos harán mover los pies y pasar un rato muy agradable.
Aquí os muestro el vídeo clip oficial de la canción "The Moon is shining (Somewhere over the sea)", cuya canción original en el disco tiene una duración mucho mayor, con una introducción genial que os ruego no dejéis de escuchar cuando tengáis el CD a vuestro alcance.
La Agencia EFE, ha inaugurado una exposición en el museo "El Costurero" de Mérida, en la que se recogen 35 instantáneas que rememoran la historia del Rock español.
La exposición se denomina "En clave de Rock", y se abre con una fotografía del año 1983 del mítico cantante y uno de los fundadores de la banda de Rock Barón Rojo, José Luis Campuzano Feito (Sherpa), en la que aparece treinta y tantos años más joven y en plena época dorada tanto del género como del grupo, con el que ya habían alcanzado las mieles del éxito con cada uno de los trabajos publicados, alternando los discos de oro y platino, como premio a la arrolladora capacidad creativa que la banda mantuvo durante la década de los ochenta.
Sherpa en 1983 (foto que abre la exposición)
El mismo José Luis Campuzano (Sherpa) fue invitado de excepción, para la presentación del evento, junto con el presidente de EFE, José Antonio Vera y el presidente extremeño José Antonio Monago, donde además tocó algunos temas en acústico.
En la exposición se recopilan fotografías de grupos de la historia del Rock español, entre los que además de Barón Rojo, también están, Medina Azahara, Mago de Oz, Miguel Rios, Luz Casal, Los Suaves, Obus, Ñu, Barricada, Extremoduro o Angeles del Infierno, entre otros.
La primera de televisión española se ha hecho eco del evento y en el telediario de la tarde de hoy día 10 de abril de 2015, nos han mostrado algunas imágenes. Otras informaciones recogidas del evento son las que ahora os muestro, estas ofrecidas por la propia agencia EFE.
Noticia sobre la presentación del acto
Como ya nos dijeran los Barones en 1981, en su primer disco, la frase "Larga vida al Rock and Roll", se mantiene con total vigencia.
Ahora que salimos a la calle y nos topamos con aromas de incienso y azahar, se me ha venido a la memoria la existencia de una saeta que en los años 80´s publicó el multiinstrumentista José Carlos Molina, para su genial banda de Rock, Folk, o como queramos denominar al estilo único de ÑU.
La realidad es que la canción se publicó en un single, del año 1987, posterior al disco en directo "No hay ningún loco", y anterior al siguiente LP en estudio "El mensaje del Mago". El single en su primera cara recogía la canción "La saeta" y en la cara B "Los ojos de la Zíngara", canción extraída del disco en vivo. El single, hoy día, es una pieza de coleccionista.
No podíamos imaginar que la extraordinaria sensibilidad de José Carlos Molina, le llevara a componer la saeta por excelencia del Rock. Pero así fue, en el año 1987, Ñu nos dejó esta rareza y esta joya del maestro Molina, a la que le puso voz el cantaor Angel Moreno, que también participa en la segunda cara del single, en esta ocasión en la otra magistral canción "Los ojos de la zíngara".
"La Saeta" de José Carlos Molina, es una canción que se adentra en la esencia de una marcha fúnebre, al estilo de las que compusieron en el siglo XIX los maestros de la época, pero aderezada con los aromas del Rock, el misticismo del Flamenco y la magia que provoca la extraña simbiosis de los tres estilos juntos , siempre orquestados por el sin igual, el incalificable José Carlos Molina (ÑU).
Posteriormente, en el año 1995, para celebrar los 20 años de carrera musical, el Molina, publicó un tremendo doble CD, en el que se recogían nuevas grabaciones de sus éxitos, así como algunas rarezas, y volvió a meter la canción "La Saeta del Rock", pero en esta ocasión con el título de "Púrpura Profunda", siendo ésta, la versión instrumental del tema que se publicara ocho años antes. Es en este disco de 1995, "Veinte años y un día", el momento en el que algunos descubrimos esta canción, pues ya os digo que el single es una auténtica rareza y una pieza de coleccionista.
Os dejo con la versión original, cantada por Angel Moreno, la que se publicara en el single del año 1987.
